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2025年北方民族大学考研625中外音乐史真题解析!(独家)

2025-02-02 来源:图艺博知识网

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2025年【北方民族大学625中外音乐史】真题解析!

名词解释

中国音乐史

1.相和歌

相和歌是汉代在 “街陌谣讴” 基础上继承先秦楚声等传统而形成的一种音乐形式。它最初为民间无伴奏的 “徒歌”,后发展为 “但歌”,再加上丝竹乐器伴奏,便形成了相和歌。其特点是有瑟、琴、筝、琵琶等丝竹乐器与打击乐器配合,演唱形式多样,包括独唱、合唱等。代表作品有《陌上桑》《白头吟》等,对后世乐府诗和音乐发展影响深远。

2.诸宫调

诸宫调是一种大型说唱艺术,起源于北宋时期。它将不同宫调的许多曲牌连接起来,用以说唱长篇故事。其音乐结构复杂,包含多种宫调系统,通过不同宫调的转换来丰富音乐色彩和情感表达。伴奏乐器有鼓、板、笛等。董解元的《西厢记诸宫调》是其经典之作,以丰富的音乐和生动的叙事,展现了这一艺术形式的魅力,为后世戏曲音乐的发展奠定了基础。

3.皮黄腔

皮黄腔是西皮和二黄两种腔调的合称,是京剧、汉剧等剧种的主要声腔。西皮腔明快刚劲,二黄腔则较为沉稳、凝重。皮黄腔的特点在于板式丰富,通过不同的节奏变化来表现各种情绪和情节。其伴奏乐器以京胡为主,配合月琴、三弦等。在京剧里,如《霸王别姬》《贵妃醉酒》等剧目,皮黄腔的运用极为精彩,成为中国戏曲音乐的重要组成部分 。

西方音乐史

1.通奏低音

通奏低音是巴洛克时期音乐的重要特征之一。它指在键盘乐器的演奏中,演奏者根据低音声部的数字标记即兴演奏和弦,以填充和声。低音线条通常由大提琴、低音提琴或大管等乐器演奏。这种演奏方式使得音乐的和声更加丰富,同时也给予演奏者一定的即兴发挥空间。在当时的声乐和器乐作品中广泛应用,如蒙特威尔第、维瓦尔第等作曲家的作品都大量使用了通奏低音,为巴洛克音乐独特的风格奠定了基础。

2.康塔塔

康塔塔是一种多乐章的声乐套曲,诞生于巴洛克时期。它通常包含宣叙调、咏叹调、重唱和合唱等形式,内容可以是宗教的,也可以是世俗的。康塔塔的音乐风格丰富多样,既有抒情的段落,也有戏剧性的表达。它的规模可大可小,小型康塔塔可能仅由几个独唱者和少量乐器伴奏,大型康塔塔则会加入合唱和完整的乐队编制。巴赫创作了大量优秀的康塔塔作品,如宗教康塔塔《马太受难曲》,展现了康塔塔在音乐表达上的深度和广度。

3.四音音列

四音音列是古希腊音乐理论中的基本元素。它由四个音按照一定的音程关系排列而成,共有三种类型:自然音列、变化音列和四分音音列。四音音列通过不同的组合方式构成各种调式,对西方音乐调式体系的形成和发展产生了深远影响。这种理论为后世音乐的旋律构建、和声发展提供了基础,是理解西方音乐历史演变和音乐理论体系的重要基石,在中世纪的教会音乐以及后来的古典音乐发展中都能看到它的影子 。

简答题

中国音乐史

1.西周礼乐制度

西周礼乐制度是西周时期建立的一套庞大且完备的社会制度体系,它与当时的宗法制度、分封制度紧密相连,成为维护西周社会秩序的重要支柱。

在内涵上,礼是社会秩序和道德规范的总和,涵盖了政治、生活等各个方面的行为准则;乐则是与礼相配合的音乐舞蹈形式。二者相辅相成,共同构建起西周独特的文化体系。

从构成来看,礼乐制度对不同阶层在各种场合使用的音乐形式、乐器种类及演奏规模等都有明确规定。比如,天子在祭祀等重大场合可用八佾之舞,即八行八列共六十四人的乐舞规模;诸侯则只能用六佾,即六行六列共三十六人。在乐器使用上,也有严格的等级区分,彰显出不同阶层的身份地位。

西周礼乐制度的作用十分显著。在政治层面,它强化了周天子的统治权威,通过规范各级贵族的行为,维护了分封制和宗法制下的社会等级秩序,使社会运行更加有序。在文化层面,它促进了音乐文化的发展,推动了雅乐体系的形成,音乐的创作、演奏和传承都有了明确的规范和标准。同时,礼乐制度还具有重要的教化作用,通过音乐的熏陶,培养人们的道德观念和社会责任感,使人们在潜移默化中遵守社会规范。

从历史影响而言,西周礼乐制度奠定了中国古代音乐文化的基础,其音乐思想和等级观念在后世音乐发展中不断延续和演变。它所蕴含的礼治思想,也成为中国古代社会治理的重要理念,对中国古代政治、文化的发展产生了深远而持久的影响 ,是中国古代文明的重要组成部分,值得深入研究和探讨。

2.唐代音乐机构

唐代是中国古代音乐发展的鼎盛时期,拥有完善且庞大的音乐机构,这些机构对唐代音乐的繁荣以及后世音乐发展产生了深远影响。

唐代音乐机构主要包括太常寺、教坊和梨园。太常寺是唐代最高音乐行政管理机构,隶属礼部,掌管宫廷祭祀、朝会等重要礼仪活动中的音乐事务。其职能广泛,涵盖雅乐与燕乐的教习、管理及演奏安排。雅乐用于祭祀天地、祖先等庄重场合,体现封建王朝的正统性与神圣性;燕乐则用于宫廷宴享,风格多样,融合了国内各民族及周边国家的音乐元素,展现了唐代开放包容的文化气度。

教坊是专门管理俗乐的机构,负责培养、训练宫廷乐工,主要表演歌舞音乐。教坊乐工来源广泛,技艺精湛,创作和表演风格更加贴近民间,生动活泼,充满生活气息,为宫廷娱乐活动增添了丰富色彩,也推动了民间音乐元素在宫廷的传播与融合。

梨园是唐玄宗亲自设立的音乐机构,以教习法曲为主。法曲风格典雅,注重音乐的艺术性和技巧性。梨园汇聚了众多高水平的音乐人才,他们被称为 “皇帝梨园弟子”,接受严格训练,在音乐创作、演奏技巧等方面不断创新,为唐代音乐的精致化和专业化发展做出重要贡献。

唐代音乐机构的存在,不仅促进了音乐技艺的交流与提高,使得不同风格、不同层次的音乐得以融合发展,还推动了音乐理论的完善和音乐教育的进步。它们为后世音乐机构的设置和音乐文化的传承提供了重要范例,在整个中国音乐发展历程中具有不可替代的重要地位。

3.黄自的艺术创作

黄自是中国近代音乐史上的杰出作曲家,他的艺术创作在多个领域都有着卓越成就,对中国现代音乐发展产生了深远影响。

在声乐创作方面,黄自的艺术歌曲堪称典范。他的作品注重歌词与旋律的完美结合,旋律优美流畅,富有诗意。比如《玫瑰三愿》,以细腻的音乐笔触,通过玫瑰的三个愿望,抒发了对美好生活的向往与珍视,旋律婉转抒情,充分展现出黄自对旋律线条的精妙把控。《思乡》则以深沉的情感,描绘出游子漂泊在外的思乡之情,旋律中饱含着对故乡的眷恋,极易引发听众共鸣。

合唱作品也是黄自艺术创作的重要组成部分。《抗敌歌》和《旗正飘飘》创作于抗日救亡时期,充满了强烈的爱国热情,节奏铿锵有力,歌词振奋人心,极大地激发了民众的抗日斗志,展现出音乐在特殊历史时期的强大精神力量。

在创作技法上,黄自巧妙地将西方作曲技术与中国民族音乐元素相融合。他借鉴西方音乐的曲式结构、和声运用等,使作品具有严谨的逻辑性和丰富的表现力;同时,他又深入挖掘中国民族音乐的特色,将民族调式、民间音乐素材融入其中,让作品散发着浓郁的中国韵味,为中国音乐的现代化发展开辟了新道路。

此外,黄自还投身于音乐教育事业,培养了贺绿汀、刘雪庵等一大批优秀音乐人才,为中国现代音乐的发展奠定了坚实的人才基础,推动中国音乐在20世纪逐步走向成熟。他的艺术创作和教育实践,在中国音乐史上留下了浓墨重彩的一笔。

西方音乐史

1.表现主义的音乐特征

表现主义音乐是 20 世纪初兴起的重要音乐流派,它是对传统音乐的一次大胆反叛与革新,呈现出独特的音乐特征。

在旋律方面,表现主义音乐彻底摒弃传统调性体系与优美连贯的旋律走向。它常采用无调性或多调性手法,旋律线条破碎、扭曲且不连贯。这种独特的旋律构建方式,打破了听众对传统旋律美感的期待,以不和谐的音程组合来表达内心的紧张、焦虑与冲突,使音乐更具张力和表现力。

和声上,表现主义音乐颠覆了传统和声规则。大量运用不协和和弦,且和声进行复杂多变,不再遵循传统和声的功能逻辑。这些不协和和弦的频繁出现,制造出强烈的音响效果,用以传达人类内心深处诸如痛苦、恐惧等极端情感,给予听众强烈的听觉冲击。

节奏是表现主义音乐的一大特色。它打破了传统节拍的平稳规律,节奏复杂多变。时而快速跳跃,时而突然停顿,通过节奏的强烈对比和不规则变化,增强音乐的紧张感与戏剧性,进一步强化音乐所要表达的情感。

从内容来看,表现主义音乐聚焦于人类内心世界的探索,多表现孤独、绝望、挣扎等情绪。它反映了当时社会环境下人们精神上的压抑与迷茫,以音乐为载体,将这些深层的精神状态具象化,让听众能够深切感受到那个时代人们内心的真实写照。

表现主义音乐的这些特征,对后世音乐发展产生了深远影响。它推动音乐创作走向更加个性化、实验性的方向,为音乐的创新发展开拓了新的道路,成为20世纪音乐发展历程中不可或缺的重要部分,也为现代音乐的多元化发展奠定了基础。

2.海顿对于弦乐四重奏的贡献

海顿在音乐史上有着举足轻重的地位,尤其在弦乐四重奏领域,被尊称为 “弦乐四重奏之父” ,他的贡献对这一音乐体裁的发展影响深远。

海顿最大的贡献之一在于对弦乐四重奏结构的规范。在他之前,弦乐四重奏的形式较为松散,缺乏统一的结构标准。海顿通过大量的创作实践,确立了弦乐四重奏四个乐章的基本结构模式,即快板 - 慢板 - 小步舞曲 - 快板。第一乐章通常以活泼明快的快板开场,奠定全曲的基调;第二乐章慢板,旋律抒情,注重情感的细腻表达;第三乐章小步舞曲,节奏轻盈,富有舞蹈性;第四乐章快板,以热烈的节奏和丰富的技巧将音乐推向高潮。这种结构使弦乐四重奏在形式上更加严谨、完整,为后世作曲家的创作提供了重要范式。

在乐器协作方面,海顿赋予了弦乐四重奏中每个乐器独特的角色和个性。小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴不再是简单的附和,而是在音乐中相互呼应、彼此交织,形成了有机的整体。比如,在旋律发展中,各乐器会依次呈现主题,通过不同音区和音色的变化,使音乐更具层次感和丰富性。他还巧妙地运用乐器间的对话形式,增强了音乐的趣味性和互动性。

海顿在创作中不断探索弦乐四重奏的表现力。他通过丰富的旋律、和声和节奏变化,让作品的音乐内容更加多彩。在和声运用上,他大胆尝试新的和声组合,丰富了音乐的色彩;节奏方面,通过节奏的变化和对比,增添了音乐的活力与动感。海顿创作的众多经典弦乐四重奏作品,如《皇帝四重奏》等,至今仍在音乐舞台上闪耀,成为后世学习和研究的典范,为弦乐四重奏这一体裁的繁荣发展奠定了坚实基础。

3.莫扎特的歌剧创作

莫扎特是西方音乐史上的歌剧巨匠,他的歌剧创作在音乐史上留下了浓墨重彩的一笔,对后世歌剧发展产生了深远影响。

莫扎特歌剧的题材极为广泛,涵盖了喜剧、正剧和神话传说等多种类型。他善于从生活和文学作品中汲取灵感,将复杂的人物情感和社会现象融入歌剧之中。例如,《费加罗的婚礼》以幽默诙谐的方式展现了底层人民与贵族之间的矛盾冲突,充满了生活气息和讽刺意味;《唐璜》则围绕着唐璜这一充满争议的人物形象,探讨了人性的善恶与欲望。

在音乐创作上,莫扎特将音乐与戏剧情节完美融合。他通过旋律、和声和节奏的巧妙运用,生动地塑造出一个个鲜活的人物形象。在《魔笛》中,夜后的咏叹调以其高超的花腔技巧和强烈的戏剧性,淋漓尽致地展现出夜后的高傲与愤怒;而塔米诺王子的咏叹调则旋律优美、深情款款,体现出他的勇敢与善良。不同角色的音乐风格截然不同,却又和谐统一于整部歌剧之中。

莫扎特歌剧的音乐具有极高的歌唱性,旋律优美动听,易于传唱。他创作的旋律不仅贴合歌词的韵律,更能深刻表达角色的情感。这些旋律既具有极高的艺术价值,又能让观众轻松记住,如《女人心》中的经典唱段,至今仍在世界各地的舞台上频繁上演。

莫扎特的歌剧创作对后世歌剧发展起到了重要的示范作用。他的创作理念和手法为后世作曲家提供了宝贵的经验,推动了歌剧这一艺术形式的不断发展与完善。其作品中所展现出的对人性的洞察、对音乐的精湛驾驭,成为了歌剧艺术的经典范例,持续散发着独特的魅力。

论述题

中国音乐史

以中国古代器乐为例,论述中国古代音乐的音乐文化交流

中国古代音乐文化源远流长,其中器乐在音乐文化交流中扮演着重要角色,成为连接不同民族、地域音乐文化的桥梁,展现出中国古代音乐文化交流的多元性与丰富性。

在乐器起源方面,许多中国古代乐器并非孤立产生,而是在文化交流中逐渐形成。比如琵琶,它最初源于古代波斯、阿拉伯地区,大约在秦汉时期传入中国。随着时间推移,琵琶在中国不断发展演变,从最初的形制简单到后来的种类繁多,出现了五弦琵琶、曲项琵琶等。在这个过程中,中国音乐家对其进行改良,使其适应中国音乐的风格特点,融入了大量中国传统音乐元素,成为中国古代器乐中的重要一员。这一乐器的传入与发展,体现了中国古代与西域地区在音乐文化上的交流与融合,不仅丰富了中国乐器的种类,也为中国音乐注入了新的活力。

乐器的传播更是促进了音乐文化的交流。中国古代的笙,作为一种古老的吹奏乐器,在先秦时期就已存在。它通过丝绸之路等贸易路线传播到周边国家和地区,如日本、朝鲜半岛等。在传播过程中,笙与当地的音乐文化相互影响。在日本,笙被纳入雅乐体系,成为日本宫廷音乐的重要组成部分,其演奏方式和曲目也逐渐与日本本土音乐风格相融合,形成了具有日本特色的笙乐。这一传播过程展示了中国古代音乐文化的影响力,以及不同文化之间相互学习、借鉴的过程。

中国古代各民族之间的器乐交流也十分频繁。例如,在隋唐时期,各民族音乐汇聚长安,形成了 “十部乐” 的繁荣景象。其中,龟兹乐中的乐器如羯鼓、筚篥等,以其独特的音色和演奏风格深受中原地区人民喜爱。羯鼓的节奏明快、热烈,在唐代宫廷音乐和民间音乐中都有广泛应用,许多诗人都曾在诗作中描述羯鼓演奏的精彩场景。这种民族间的器乐交流,促进了不同民族音乐风格的融合,丰富了中国古代音乐的表现力,使中国古代音乐呈现出多元一体的文化格局。

综上所述,中国古代器乐在起源、传播以及民族间交流的过程中,充分体现了中国古代音乐文化的交流与融合。这些交流不仅丰富了中国古代音乐的内涵,也推动了中国古代音乐文化的发展与传承,为后世留下了宝贵的音乐文化遗产。

西方音乐史

论述瓦格纳的简要生平,乐剧改革,艺术创作及贡献

瓦格纳是 19 世纪德国杰出的作曲家、音乐理论家,他的音乐理念与创作实践对西方音乐发展产生了深远影响。

瓦格纳自幼便对戏剧和音乐展现出浓厚兴趣,青年时期广泛涉猎文学、哲学作品,这些经历为他日后的创作积累了深厚底蕴。早期他担任过多个剧院的指挥,在此期间不断尝试创作歌剧,然而经济上的困境与社会的动荡也伴随着他,其作品演出之路并非一帆风顺,但这也促使他不断探索音乐的新方向。

乐剧改革是瓦格纳音乐生涯的核心。他认为传统歌剧存在音乐与戏剧分离的问题,因此提出 “乐剧” 概念,主张将音乐、戏剧、诗歌、舞台美术等元素融合为一个有机整体,让各艺术形式在其中平等协作,共同为戏剧表达服务。他摒弃了传统歌剧的分曲结构,采用 “无终旋律”,使音乐如行云流水般连贯,无缝推动剧情发展;同时,引入 “主导动机”,通过特定的音乐主题代表剧中人物、事物或情感,在不同场景中变化出现,强化了音乐的叙事性与逻辑性。

在艺术创作方面,瓦格纳的作品数量众多且极具影响力。《尼伯龙根的指环》是其代表作之一,这部宏大的四联剧,以日耳曼神话为蓝本,构建了一个庞大复杂的故事体系,音乐上气势磅礴,主导动机的运用出神入化,将北欧神话中的英雄、爱情、权力斗争展现得淋漓尽致。《特里斯坦与伊索尔德》则以独特的和声运用,尤其是著名的 “特里斯坦和弦”,突破传统和声规则,营造出充满渴望与痛苦的情感氛围,推动了音乐和声语言的发展。

瓦格纳的贡献是多方面的。在音乐创作技法上,他的创新为后世作曲家开辟了新的道路,启发了德彪西等作曲家在和声、音乐结构上的探索。在音乐文化层面,他的乐剧作品极大地提升了歌剧的艺术地位,使其从单纯的娱乐形式转变为深度的艺术表达,对欧洲乃至世界的音乐文化发展起到了重要的推动作用,成为音乐史上一座难以逾越的丰碑 。

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